L’incontro con il pubblico sarà dedicato all’approfondimento di Mein Kampf, il libro scritto da Adolf Hitler, affrontato in chiave critica e storica. Lo scrittore e drammaturgo Stefano Massini guiderà il pubblico in una riflessione sul contesto in cui il testo è stato scritto e sulla sua influenza nella storia del Novecento. Attraverso il dialogo verranno analizzati i meccanismi retorici e propagandistici presenti nel libro. L’incontro metterà in luce come il linguaggio possa diventare uno strumento di costruzione del consenso. Particolare attenzione sarà dedicata alla lettura critica e alla contestualizzazione storica dell’opera. Sarà quindi un momento di confronto e approfondimento sui temi della memoria e della responsabilità culturale. A coordinare l’incontro sarà la docente Irene Palladini. l pubblico sarà invitato a intervenire con domande e osservazioni.
L’obiettivo è offrire strumenti per comprendere e analizzare criticamente un testo centrale per la storia europea del Novecento.
The meeting with the audience will be dedicated to an in-depth exploration of Mein Kampf, the book written by Adolf Hitler, approached from a critical and historical perspective. Writer and playwright Stefano Massini will guide the audience in reflecting on the context in which the text was written and its influence on the history of the twentieth century. Through dialogue, the rhetorical and propagandistic mechanisms present in the book will be analyzed. The meeting will highlight how language can become a tool for building consensus. Particular attention will be devoted to the critical reading and historical contextualization of the work. It will therefore be a moment of discussion and in-depth reflection on the themes of memory and cultural responsibility. The meeting will be coordinated by Professor Irene Palladini. The audience will be invited to participate with questions and observations. The aim is to provide tools to understand and critically analyze a text that is central to European twentieth-century history.
La rencontre avec le public sera consacrée à une analyse approfondie de Mein Kampf, le livre écrit par Adolf Hitler, abordé sous un angle critique et historique. L’écrivain et dramaturge Stefano Massini guidera le public dans une réflexion sur le contexte dans lequel le texte a été écrit et sur son influence dans l’histoire du XXe siècle. À travers le dialogue, les mécanismes rhétoriques et propagandistes présents dans le livre seront analysés. La rencontre mettra en lumière la manière dont le langage peut devenir un instrument de construction du consensus. Une attention particulière sera accordée à la lecture critique et à la contextualisation historique de l’œuvre. Ce sera donc un moment d’échange et d’approfondissement sur les thèmes de la mémoire et de la responsabilité culturelle. La rencontre sera coordonnée par l’enseignante Irene Palladini. Le public sera invité à intervenir avec des questions et des observations.
L’objectif est d’offrir des outils pour comprendre et analyser de manière critique un texte central dans.
L’incontro con il pubblico sarà dedicato all’approfondimento del testo Come gli uccelli di Wajdi Mouawad (Einaudi, 2024), da cui è tratto lo spettacolo. Il cast guiderà gli spettatori nell’esplorazione dei temi centrali dell’opera, come identità, appartenenza, memoria e conflitto. Attraverso la lettura e il commento di alcuni passaggi significativi verrà messa in luce la struttura drammaturgica del testo. Particolare attenzione sarà dedicata ai personaggi e alle relazioni che attraversano la storia. Gli attori condivideranno riflessioni sul linguaggio e sulla forza narrativa della scrittura di Mouawad. L’incontro privilegerà quindi l’analisi del libro più che gli aspetti della messa in scena. A coordinare il dialogo sarà la docente Roberta Ferraresi. Il pubblico sarà invitato a intervenire con domande e osservazioni. L’obiettivo è offrire strumenti di lettura per comprendere più a fondo l’opera e i suoi significati.
The meeting with the audience will be dedicated to an in-depth exploration of the text Like Birds by Wajdi Mouawad (Einaudi, 2024), on which the performance is based. The cast will guide the audience in exploring the central themes of the work, such as identity, belonging, memory, and conflict. Through the reading and commentary of selected significant passages, the dramaturgical structure of the text will be highlighted. Particular attention will be given to the characters and the relationships that run through the story. The actors will share reflections on the language and the narrative power of Mouawad’s writing. The meeting will therefore focus more on the analysis of the book than on aspects of the staging. The discussion will be coordinated by Professor Roberta Ferraresi. The audience will be invited to participate with questions and observations. The aim is to provide interpretative tools to better understand the work and its meanings.
La rencontre avec le public sera consacrée à une analyse approfondie du texte Comme des oiseaux de Wajdi Mouawad (Einaudi, 2024), dont est tiré le spectacle. La distribution guidera le public dans l’exploration des thèmes centraux de l’œuvre, tels que l’identité, l’appartenance, la mémoire et le conflit. À travers la lecture et le commentaire de certains passages significatifs, la structure dramaturgique du texte sera mise en lumière. Une attention particulière sera accordée aux personnages et aux relations qui traversent l’histoire. Les acteurs partageront des réflexions sur le langage et la force narrative de l’écriture de Mouawad. La rencontre privilégiera donc l’analyse du livre plutôt que les aspects de la mise en scène. Le dialogue sera coordonné par l’enseignante Roberta Ferraresi. Le public sera invité à intervenir avec des questions et des observations. L’objectif est d’offrir des outils de lecture pour mieux comprendre l’œuvre et ses significations.
L’incontro con il pubblico sarà dedicato principalmente all’analisi del testo di Riccardo III di William Shakespeare, più che alla sua messa in scena. Con l’aiuto del coordinatore, lo scrittore e saggista Nicola Fano, il cast guiderà gli spettatori attraverso i temi centrali dell’opera: potere, ambizione e manipolazione. Saranno letti e commentati alcuni passaggi chiave per comprendere la complessità psicologica del protagonista, Riccardo III. Gli attori condivideranno riflessioni sul linguaggio, sui monologhi e sulla costruzione drammaturgica del personaggio. L’attenzione sarà rivolta soprattutto alla parola e alla struttura del testo shakespeariano. Si parlerà anche del contesto storico e politico in cui l’opera è stata scritta. Il pubblico sarà invitato a partecipare con domande e osservazioni. L’incontro vuole offrire strumenti di lettura per approfondire il significato dell’opera. Sarà quindi un momento di dialogo e scoperta attorno alla scrittura di Shakespeare.
The meeting with the audience will be dedicated mainly to the analysis of William Shakespeare’s Richard III, rather than to its staging. With the help of the coordinator, writer and essayist Nicola Fano, the cast will guide the audience through the central themes of the play: power, ambition, and manipulation. Some key passages will be read and commented on in order to understand the psychological complexity of the protagonist, Richard III. The actors will share reflections on language, monologues, and the dramaturgical construction of the character. The focus will be especially on the word and the structure of Shakespeare’s text. There will also be discussion about the historical and political context in which the play was written. The audience will be invited to take part with questions and observations. The meeting aims to provide tools for a deeper reading of the play’s meaning. It will therefore be a moment of dialogue and discovery centered on Shakespeare’s writing.
La rencontre avec le public sera principalement consacrée à l’analyse du texte de Richard III de William Shakespeare, plutôt qu’à sa mise en scène. Avec l’aide du coordinateur, l’écrivain et essayiste Nicola Fano, la troupe guidera le public à travers les thèmes centraux de l’œuvre : le pouvoir, l’ambition et la manipulation. Certains passages clés seront lus et commentés afin de comprendre la complexité psychologique du protagoniste, Richard III. Les acteurs partageront leurs réflexions sur le langage, les monologues et la construction dramaturgique du personnage. L’attention sera portée surtout sur la parole et sur la structure du texte shakespearien. On évoquera également le contexte historique et politique dans lequel l’œuvre a été écrite. Le public sera invité à participer par des questions et des remarques. La rencontre vise à offrir des outils de lecture pour approfondir le sens de l’œuvre. Ce sera donc un moment de dialogue et de découverte autour de l’écriture de Shakespeare.
Lo cunto de li cunti di Giambattista Basile è uno dei grandi libri fondativi della letteratura europea. Pubblicato nel 1634, scritto in una lingua napoletana potentissima e visionaria, è il luogo in cui la fiaba smette di essere semplice racconto orale e diventa forma letteraria complessa, barocca, stratificata, capace di tenere insieme il riso e l’orrore, il corpo e il mito, il gioco e l’abisso. Basile non addolcisce: scava. Non consola: rivela. Le sue fiabe sono strumenti per attraversare la profondità dell’animo umano.
Re Chicchinella nasce da questo universo e ne incarna uno dei nuclei più radicali. È la storia di un sovrano malato, solo, privo di affetti, intrappolato in una famiglia e in una corte anaffettive e predatorie. Una fiaba crudele, grottesca, comica e tragica insieme, in cui il corpo diventa campo di battaglia e metafora politica. L’animale che si insinua nelle viscere del re, nutrendosi di lui e producendo uova d’oro, è una delle immagini più potenti della letteratura di Basile: una visione che trasforma la fiaba in allegoria, il racconto fantastico in riflessione sul potere, sul consumo, sulla disumanizzazione.
In Basile il meraviglioso non è evasione, ma conoscenza. Il riso è sempre vicino alla morte, la deformità alla verità, l’eccesso alla rivelazione. Re Chicchinella è una fiaba sullo svuotamento dell’uomo, sulla sovrapposizione fra chi domina e ciò che lo divora, fino al punto in cui il re e l’animale diventano la stessa cosa. È la poesia barocca che, attraverso l’ornamento e l’invenzione, arriva a dire l’indicibile.
Giambattista Basile’s Lo cunto de li cunti is one of the great foundational books of European literature. Published in 1634, written in a powerful and visionary Neapolitan language, it marks the point where the fairy tale ceases to be a simple oral tale and becomes a complex, baroque, layered literary form, capable of uniting laughter and horror, the body and myth, play and the abyss. Basile does not soften: he excavates. He does not console: he reveals. His fairy tales are tools for exploring the depths of the human soul.
King Chicchinella is born from this universe and embodies one of its most radical cores. It is the story of a sick, lonely, and loveless ruler, trapped in an unloving and predatory family and court. A cruel, grotesque, comical, and tragic tale, in which the body becomes a battlefield and a political metaphor. The animal that burrows into the king’s entrails, feeding on him and producing golden eggs, is one of the most powerful images in Basile’s literature: a vision that transforms fairy tale into allegory, the fantasy tale into a reflection on power, consumption, and dehumanization.
In Basile, the marvelous is not escapism, but knowledge. Laughter is always close to death, deformity to truth, excess to revelation. King Chicchinella is a tale about the emptiness of man, about the overlap between those who dominate and those who devour him, to the point where the king and the animal become one and the same. It is baroque poetry that, through ornament and invention, manages to express the unspeakable.
Le recueil de contes de Giambattista Basile, Lo cunto de li cunti, est un ouvrage fondateur de la littérature européenne. Publié en 1634, écrit dans un napolitain puissant et visionnaire, il marque le moment où le conte cesse d’être un simple récit oral pour devenir une forme littéraire complexe, baroque et riche, capable d’unir le rire et l’horreur, le corps et le mythe, le jeu et l’abîme. Basile ne cherche pas à édulcorer : il creuse. Il ne console pas : il révèle. Ses contes sont des outils pour explorer les profondeurs de l’âme humaine.
Le Roi Chicchinella naît de cet univers et incarne l’un de ses aspects les plus radicaux. C’est l’histoire d’un souverain malade, solitaire et sans amour, prisonnier d’une famille et d’une cour hostiles et prédatrices. Un récit cruel, grotesque, comique et tragique, où le corps devient champ de bataille et métaphore politique. L’animal qui s’enfouit dans les entrailles du roi, se nourrit de lui et pond des œufs d’or, est l’une des images les plus marquantes de l’œuvre de Basile : une vision qui transforme le conte en allégorie, le récit fantastique en une réflexion sur le pouvoir, la consommation et la déshumanisation.
À Basile, le merveilleux n’est pas une évasion, mais la connaissance. Le rire côtoie toujours la mort, la difformité la vérité, l’excès la révélation. Le Roi Chicchinella est un conte sur le vide de l’homme, sur la fusion entre ceux qui le dominent et ceux qui le dévorent, jusqu’à ce que le roi et la bête ne fassent plus qu’un. C’est une poésie baroque qui, par l’ornementation et l’invention, parvient à exprimer l’indicible.
La Vedova scaltra rappresenta, nella drammaturgia di Carlo Goldoni, il primo vero e decisivo passo verso la Riforma. È il punto di passaggio da un teatro ancora legato alla pastorale e alle maschere a un teatro nuovo, dominato dalla psicologia, dall’osservazione del reale, da ciò che oggi chiameremmo il carattere della modernità. Con questo testo Goldoni comincia a sostituire i tipi con le persone, le astrazioni con gli individui, aprendo la strada a un teatro che parla dell’uomo e del suo tempo.
La Vedova scaltra è una macchina comica perfetta. Certo, è la prova generale della Locandiera, ma è anche molto di più: è la prova generale di un’idea di emancipazione, di una donna che pensa, sceglie, governa il desiderio e il sentimento. Un tema che, mai come di questi tempi, risuona con una forza sorprendente. Qui l’intelligenza femminile non è ornamento, ma motore dell’azione; non è eccezione, ma regola.
Ma La Vedova scaltra è soprattutto il racconto della giovinezza del mondo. È l’immagine di una Repubblica di Venezia ancora viva, luminosa, pronta — sì, è una scelta — a morire per sempre dentro la bellezza sovrumana della propria immortalità. È un’avventura d’amore, un’avventura di cappa e di spada, un viaggio dentro le volute tenere dell’amicizia e del conflitto, del gioco e della verità.
In questo incontro, Caterina Murino, interprete dello spettacolo teatrale, dialoga con la giornalista Alessandra Menesini attorno a La Vedova scaltra come testo fondativo della modernità goldoniana, come luogo in cui prendono forma l’ironia, la grazia, la precisione morale e una profonda fiducia nell’intelligenza umana.
Perché La Vedova scaltra non è soltanto un’opera di Goldoni: La Vedova scaltra è Carlo Goldoni.
In Carlo Goldoni’s playwrightship, The Wise Widow represents the first true and decisive step toward the Reformation. It marks the transition from a theater still tied to pastoralism and masks to a new theater, dominated by psychology, the observation of reality, and what we would today call the character of modernity. With this play, Goldoni begins to replace types with people, abstractions with individuals, paving the way for a theater that speaks of humanity and its times.
The Widow of the Cunning is a perfect comic machine. Sure, it’s the dress rehearsal for The Innkeeper, but it’s also much more: it’s the dress rehearsal for an idea of emancipation, for a woman who thinks, chooses, and governs desire and emotion. A theme that, now more than ever, resonates with surprising force. Here, female intelligence isn’t an ornament, but the driving force; it’s not the exception, but the rule.
But The Wise Widow is above all a tale of the world’s youth. It is the image of a Venetian Republic still alive, luminous, ready—yes, it is a choice—to die forever within the superhuman beauty of its own immortality. It is a love adventure, a cloak-and-dagger adventure, a journey into the tender folds of friendship and conflict, of play and truth.
In this meeting, Caterina Murino, a performer in the play, discusses The Shrewd Widow with journalist Alessandra Menesini as a foundational text of Goldoni’s modernity, a place where irony, grace, moral precision, and a profound faith in human intelligence take shape. Because The Shrewd Widow isn’t just a play by Goldoni: The Shrewd Widow is Carlo Goldoni.
Dans l’œuvre dramatique de Carlo Goldoni, La Veuve sage représente le premier pas véritable et décisif vers la Réforme. Elle marque la transition d’un théâtre encore attaché au pastoralisme et aux masques à un théâtre nouveau, dominé par la psychologie, l’observation du réel et ce que nous appellerions aujourd’hui le caractère de la modernité. Avec cette pièce, Goldoni commence à substituer des personnages aux figures humaines, des abstractions aux individus, ouvrant la voie à un théâtre qui parle de l’humanité et de son époque.
La Veuve rusée est une machine comique imparable. Certes, c’est la répétition générale de L’Aubergiste, mais c’est aussi bien plus : c’est la répétition générale d’une idée d’émancipation, d’une femme qui pense, choisit et maîtrise ses désirs et ses émotions. Un thème qui, aujourd’hui plus que jamais, résonne avec une force surprenante. Ici, l’intelligence féminine n’est pas un ornement, mais le moteur ; elle n’est pas l’exception, mais la règle.
Mais La Veuve Sage est avant tout un récit sur la jeunesse du monde. C’est l’image d’une République de Venise encore vivante, rayonnante, prête – oui, c’est un choix – à mourir à jamais dans la beauté surhumaine de sa propre immortalité. C’est une aventure amoureuse, une aventure d’espionnage, un voyage au cœur des liens tendres de l’amitié et du conflit, du jeu et de la vérité.
Dans cette rencontre, Caterina Murino, comédienne dans la pièce, discute avec la journaliste Alessandra Menesini de La Veuve perspicace, texte fondateur de la modernité de Goldoni, où se conjuguent ironie, grâce, rigueur morale et une profonde foi en l’intelligence humaine. Car La Veuve perspicace n’est pas seulement une pièce de Goldoni : La Veuve perspicace, c’est Carlo Goldoni.
